Exposiciones

In formae formārum: arte con alma y consciencia | Ana Cremades

En un contexto sociopolítico como el actual, que se empeña más y más en separar y poner límites a cuánto nos rodea, surge de tanto en tanto la necesidad de pararse a mirar el entorno de otra manera. Es lo que hace en esta muestra la artista —cordobesa, por adopción— Marta Campos. En In/forma, un imaginario cargado de verdad y ficción, una mundología sobria y silenciosa, múltiples lecturas de la forma y su contrario, y un sin fin de relaciones tan adversas como conjuntas, nos llevan a transitar escenarios del todo insospechados.

Acompañado de un escenario lleno de historia y carácter, como es el Museo de la Cerámica de La Rambla y su emplazamiento en el antiguo torreón del castillo, la muestra se despliega en la incógnita de formas mixtas, conciliadoras y disruptivas. Ángeles caídos, árboles deshojados, troncos solitarios y naturalezas muertas rendidas por completo al lugar que habitan, dialogan con representativas figuras locales del informalismo pictórico como Alfonso Ariza (La Rambla, 1920-1989). La reinterpretación del paisaje, y un entender distinto del vínculo que mantenemos con “esto y lo otro”, desbaratan la mirada del visitante.

Así, al acecho de esa extraña tendencia contemporánea a la desnaturalización de casi todo, la obra expuesta revisita y cuestiona la relación que la especie humana mantiene hoy con el personaje ajeno, el objeto cotidiano y el espacio ocupado. Esta apuesta expositiva transita entre escultura, dibujo y pintura, hibrida la estructura formal y matérica, y ofrece una paleta de color amable y sobria. Con ello, la artista resuelve la narrativa de la exposición en la pulcritud indiscutible de su maestría técnica. De este modo, la riqueza procesual se complementa con la experiencia visiva y sensorial que ofrece la obra.

Con una sensibilidad extraordinaria, y la valentía de quien arriesga sin importarle las consecuencias, Marta Campos consigue hilvanar en su discurso cuestiones que miran hacia la física cuántica, la inteligencia de las plantas, o la ecoestética.

Física cuántica y naturaleza

La física cuántica y la naturaleza son dominios que ofrecen formas únicas de percibir y comprender el mundo. En su conjunto, revelan una sinergia profunda, casi mística. De igual manera, Marta Campos captura la esencia de la naturaleza, y lo hace de manera minuciosamente íntima a través del claroscuro monocromático y una textura viva. Sin embargo, más allá de la representación y la técnica, su creatividad y arte profundizan —como la física cuántica— en lo invisible, lo abstracto y lo conceptual, evocando el sutil ritmo emocional del mundo de las ideas.

Mientras la obra de arte consigue expresar los aspectos emocionales e intuitivos de nuestra relación con la naturaleza, la física cuántica nos ofrece un marco para comprender su estructura fundamental. En su complejidad sin límites, la naturaleza deviene fuente de inspiración y lienzo, laboratorio de búsqueda y táctica de reciprocidad. Y así, confrontando el paraje natural a lo cuántico y lo artístico, Marta Campos nos demuestra que no son dominios aislados, sino formas interconectadas de una misma realidad.

El reino cuántico es el paraíso de la probabilidad, la incertidumbre y la paradoja. Las partículas existen en múltiples estados a la vez, los entrelazamientos desafían la separación espacial y los fenómenos retan la naturaleza misma de la realidad. La naturaleza abstracta y contraintuitiva de la mecánica cuántica se acerca así a la obra de arte y su capacidad para trascender la percepción ordinaria y la superficie de las cosas. La física cuántica, como esta muestra, nos revela así un universo mucho más extraño y complejo de lo que sugiere la experiencia acostumbrada.

En esencia, a través de lo cuántico, la artista reconecta con la energía de la forma, el vacío, el espacio (des)habitado, el lugar de pertenencia... cualquier parte en cualquier momento o lugar. Hilvanando cada trazo donde toca, abandonándose a la textura y la metamorfosis tridimensional, todo es forma e informalismo. Todo es gestualidad y poesía. Todo es, como el universo que explica el Jean E. Charon... espíritu y materia.

La naturaleza y la inteligencia de las plantas

El arte, la naturaleza y la exploración que Stefano Mancuso hace en torno a la inteligencia de las plantas, redefinen y reflexionan nuestra relación con el mundo vivo. Mancuso, figura pionera en el campo de la neurobiología vegetal, desafía las nociones tradicionales de inteligencia, al proponer que las plantas poseen una forma única de conciencia y una extraordinaria capacidad de resolución de problemas. De este modo, sus investigaciones y escritos, como la obra de arte que aquí se muestra, abren nuevas perspectivas sobre cómo percibimos y nos relacionamos con el mundo natural.

El ámbito artístico ha estado cautivado durante mucho tiempo por las formas, colores y texturas de las plantas, traduciendo su belleza en experiencias visuales, sonoras o táctiles. Pero más allá de la estética, el arte también sirve como un medio para explorar significados más profundos en esa naturaleza de la que —queriendo o sin querer—, la sociedad contemporánea parece alejarse cada vez más. La obra de Marta Campos añade así una nueva dimensión a un diálogo artístico que subraya la sofisticada inteligencia de las plantas, mostrándolas como organismos dinámicos con alma propia.

Esta visión de las plantas como seres inteligentes se alinea con una comprensión más amplia de la naturaleza, como red interconectada y activa. El discurso visual de la artista explora así la idea de una mundología vegetal capaz de sentir, crear y recrearse a sí misma. La muestra nos desafía y anima a ir más allá, incitándonos a apreciar las diversas formas en que la vida se expresa. En este sentido, ciencia y arte convergen. La ciencia, a través de estudios y resultados como los de Mancuso abre nuestras mentes a la inteligencia oculta de las plantas; y el arte, como el que aquí se exhibe, abre nuestros corazones a la sutileza del mundo vegetal y su esencia.

Cualquier sistema de vida es mucho más complejo y vibrante de lo que a menudo creemos. Con ingenio y creatividad, cada pieza nos anima a cultivar un respeto más profundo por lo natural, repensando nuestro lugar aquí y ahora. “En una sociedad, supuestamente civilizada, ¿quién es capaz de entender el lenguaje de las piedras y los árboles?”, se cuestiona Jean É. Charon. Pues bien, la obra de Marta Campos —nos atrevemos a decir— no solo es capaz de entender el lenguaje de las piedras y los árboles, además, establece un diálogo metafórico, poético y visual que va más allá de la palabra.

Eco/estética y sostenibilidad

Ecoestética y sostenibilidad son fuerzas interconectadas que dan forma a nuestra comprensión y compromiso con el medio ambiente. En un mundo que se enfrenta a numerosos y crecientes desafíos ecológicos, el imaginario de esta exposición ofrece herramientas poderosas para replantear nuestra relación con la naturaleza y fomentar un futuro más sostenible. Así, la expresión creativa, la responsabilidad ética, lo eco y la estética consiguen inspirar un cambio significativo, cambiando nuestra conciencia colectiva hacia un entorno más sostenible.

En los últimos años, a medida que ha crecido la conciencia ambiental, los artistas han centrado cada vez más su atención en temas de sostenibilidad, cambio climático o degradación ecológica. El arte puede hacer tangibles problemas ambientales evocando una respuesta emocional que inspira al tejido social que lo admira. Ya sea a través del dibujo, la cerámica o la escultura, la creadora se involucra con las dificultades de nuestro tiempo, utilizando su trabajo para meditar lo insostenible, celebrar una crítica sin drama, y conjeturar escenarios alternos.

El concepto de ecoestética fusiona la estética con la conciencia ecológica, y el compromiso social. Implica pasar de ver la naturaleza como mero recurso o telón de fondo, a apreciarla como una parte integral de nuestra existencia. Así, “[lejos de] pretender ser un mero alegato ecologista” —palabras de la propia artista —, esta exposición desafía el medioambiente y las nociones tradicionales de belleza, enfatizando la armonía de la naturaleza y reconsiderando la entrega e interconexión de toda forma de vida.

En su majestuoso imaginario, Marta Campos genera consciencia sobre los problemas ambientales, y explora temas de regeneración y convivencia. Al integrar la conciencia ecológica en su práctica artística, su obra promueve un nuevo tipo de belleza, inseparable y resiliente en su propio ecosistema. En este contexto, lo sostenible cultiva una mentalidad que valora la salud ecológica y el bienestar social a largo plazo, convirtiéndose en discurso cultural con expresión propia.

De alguna manera, la artífice nos demuestra que el arte puede hacer de la sostenibilidad un concepto mucho más visceral y conectivo. Catalizador de lo sostenibile, el recorrido de esta exposición se suma e inspira, sobre todo, a ese público que se para a escuchar el entorno. Con un enfoque holístico que aborda los desafíos ambientales de nuestro tiempo, el arte aquí eleva nuestra comprensión de la sostenibilidad y lo ecoestético.

Apostando por esa convergencia de creatividad, ética y conciencia ecológica que Marta Campos profesa, In/forma tiene el potencial de imaginar un mundo más sostenible y perfecto. Un mundo donde los seres humanos y la naturaleza coexisten en silenciosa quietud y armonía.

Sin más, ni tampoco menos...

La muestra genera tantas preguntas como respuestas. Y propone una producción artística que lo repiensa todo: el entorno, sus objetos, escenarios y personajes metamorfoseados. El modelado de la forma y ese espacio interior que promulga el informalismo con el que dialoga, redefine nuestro entendimiento del proceso creativo. Idea y concepto revisitan la naturaleza: lo que le damos y lo que de ella obtenemos. Y así, su discurso, cómplice del lenguaje procedimental y matérico… repiensa, arma y desarma el sistema.

Para los que nos gusta ver, hablar y escribir sobre arte, rara vez se tiene la certeza absoluta de las conclusiones a las que se llega. A veces en cambio, se conoce al artista y su proceso desde cerca. La diferencia entre conocer a la artífice que hay detrás —como es el caso— radica fundamentalmente en poder asegurar al espectador que lo que está viendo, más allá de la forma y el concepto, sale del alma de su creadora. Con las intenciones de un discurso que se presta a una lectura intuitiva y con alma más que pragmática y lógica… paso a paso, pieza a pieza, entre formas con forma y sin ella, la obra de Marta Campos induce a un pensamiento universal que suspira esperanza. Y susurra eternidad.

Ana Cremades | Artista visual y actriz

Docente e investigadora | UGR

…un día cualquiera, en cualquier lugar.

Octubre de 2024

NOTA DE PRENSA

La artista cordobesa Marta Campos Calero lleva un año más el arte contemporáneo al Museo del Cobre en el Día Internacional de los Museos, con la exposición: De Piedra y Fuego

La Exposición realiza una reflexión sobre la interacción del hombre y el entorno natural, la problemática entre la minería y la naturaleza, la transformación de los materiales y del paisaje por el ser humano o la hibridación de elementos vegetales, animales y minerales en un todo, provocando una nueva lectura de los fondos museísticos en diálogo con la obra escultórica más actual, la cual permanecerá abierta en el museo del Cobre de miércoles a sábado, entre el 17 de abril al 21 de junio.

La escultora Marta Campos Calero, licenciada en Bellas Artes, experta en fundición y Máster en Patrimonio y Emprendimiento Cultural, es la cuarta artista en exponer individualmente en el Día internacional de los museos, para reivindicar así la importancia del Sitio Histórico de Cerro Muriano desde su museo del Cobre con un conjunto de 15 esculturas de pequeño formato además de dibujos, haciendo interactuar la obra artística de reciente creación con los fondos arqueológicos e industriales.

En De Piedra y Fuego el visitante se adentra en el misterio de lo mineral desde un punto de vista artístico además de arqueológico, estético y ético en una importante apuesta del Museo en colaboración con el Ayuntamiento de Obejo y la Diputación Provincial de Córdoba, que consolida por un lado a este espacio como escenario expositivo de obra no permanente y permite la paulatina fidelización del público.

Nuevamente, la escultura en bronce aparece en un museo dedicado al estudio de la metalurgia y su explotación desde el Calcolítico, en una Exposición que combina obras de diferentes materiales en los que la piedra es unas veces seccionada, e incluso injertada de materia vegetal y, otras, nos muestra su interior como lugar donde la luz y el cobre se conjugan para sugerirnos el misterio del fuego. Gracias a la sorprendente e insólita obra de Marta Campos, el museo se transforma en un territorio fronterizo en el que conviven vanguardia y arqueología con nuevos materiales y procesos de fundición artística, visión estética y compromiso directo con el medio ambiente en una novedosa muestra realizada ex profeso.

A lo largo de ella, veremos que los martillos de diorita prehistóricos dialogan con piedras suspendidas por mimbre; en la roca negra germina la rama de cobre; torsos y troncos se confunden; la raíz es hombre y también mujer; los árboles y las plantas son de bronce y los dibujos nos llevan a un paisaje de piedras rodantes o retratos vegetales. En definitiva, la naturaleza humana se funde con lo vegetal, lo mineral se nos revela desde la entraña de lo pétreo y el alabastro nos trae el recuerdo táctil del cristal, o se deshace como azúcar. Una Exposición para ver y aprender, visitar, reflexionar y empapar los sentidos de arte y de historia, así como una ocasión para conocer el excepcional entorno natural de nuestra sierra enriqueciéndose con una magnífica y original oferta cultural abierta a un público amplio.

Luis M. García Cruz

Escultor

ENLACE A LA EXPOSICIÓN DE PUEDRA Y FUEGO

INTRODUCCIÓN

La plasmación de la naturaleza en las obras de arte ha sido un tema recurrente desde la antigüedad, como por ejemplo en el mito de la Montaña o la deificación de elementos y fenómenos naturales, por las diferentes culturas hasta llegar a las actuales concepciones del land art, entre múltiples variantes de intervención en el entorno. La temática que presenta este proyecto parte de la idea de naturaleza como un todo, en el cual estamos integrados seamos o no conscientes de ello, la naturaleza es principio y fin de la vida, de la que cual dependemos en los aspectos tanto físicos como emocionales. Así, el proyecto Desnaturalezas pretende acercarse a la naturaleza, desde su contemplación exterior hasta lo que subyace en el interior de la misma, aunando la mirada plástica y estética a la par que la reflexión analítica.

ARGUMENTOS Y REFLEXIONES DEL PROYECTO

En este proyecto se abarca la naturaleza desde el punto de vista de su relación con el ser humano, mediante personificaciones materializadas en dibujo y escultura como en el caso de las obras Mujer cactus o Naturaleza contenida, donde el espacio interior forma parte de la composición de la obra, como también, representando otros elementos naturales como los árboles, ahora convertidos en espacios ocupados, e incluso formas vegetales que se hibridan con las humanas cobrando un nuevo sentido, en el que domina siempre la visión del paisaje desde la tridimensionalidad como importante motivo referencial.
La temática recogida en la obra no pretende ser un mero alegato ecologista al uso, sino que busca provocar una reflexión sobre los enormes niveles de intervención y modificación humana sobre el medio natural que nos rodea, bien para nuestro beneficio en nuestra ya degradada subsistencia, o simplemente para su manipulada contemplación paisajista y decorativa. Por tanto, se cuestiona de base hasta qué punto es realmente natural o artificioso nuestro entorno, y se platea la interrogante sobre quién influye o delimita más al otro, la naturaleza al hombre, o este al medio en que habita.
La escultura y el dibujo, como todo ser vivo, asisten a un permanente ciclo de metamorfosis, y es precisamente el proceso técnico en sí un proceso evolutivo, que combina la transformación de los materiales y sus estados, junto al desarrollo de los conceptos, que guían y orientan el sentido mismo de la obra. Naturaleza y proceso sostienen por tanto el discurso personal y diferenciado que como artista propongo.
Los materiales elegidos son variados, para la obra escultórica, principalmente se utiliza en esta muestra el bronce, al que se suman la piedra, el hierro o la cerámica, que junto a la manipulación de materiales extraídos directamente del entorno naturales se fusionan en un único discurso.
El mundo vegetal como forma viva y en permanente evolución, es el centro de la temática, este es capaz de establecer una relación inmediata con el espectador dada su fuerza icónica. Se nos remite en la exposición a una relación directa del hombre con las formas vegetales, abundando en el concepto cíclico de todos los elementos naturales, ciclo como ya hemos dicho presente en los procesos creativos, en una sucesión que acontece en el taller como verdadera coreografía de materias y momentos que nacen, mueren, desaparecen o se perpetúan, nutriendo al que observa con su alto poder plástico y estético.
Lejos de entender la relación entre escultura/arquitectura desde un planteamiento relacionado con la ciudad y el urbanismo, aquí se aborda el tema en singular de la casa, esta como ser vivo y también el ser vivo como habitáculo, nido y atalaya desde la que observar y observarse. En otro plano el paisaje también se fragmenta, se escala o des-escala, y se humaniza.
No pocos autores han tratado el tema del medio ambiente desde la paradoja de la incompatibilidad entre hombre y naturaleza, llegando incluso hasta el punto de presentarlos como antagónicos, desencuentro que aquí es presentado desde el sencillo diálogo entre arte, estética y entorno.
Estas obras son, por tanto, una personal aproximación al concepto de equilibrio entre arte y naturaleza, hombre y entorno, concepto y materialización de la obra.

Enlace a la exposición

EXPOSICIÓN LO INVISIBLE, TABERNA BOLERO, MONTILLA (CÓRDOBA)

Manuel Portero y Marta Campos